"Ensayo final"

¿Qué elementos propios de los métodos activos de la enseñanza de la música son utilizados en el aula chilena?

Para comenzar, y tal como mencionan Bernal y Calvo (2000) “la Música siempre ha ejercido una poderosa influencia en el ser humano, lo ha acompañado a lo largo de su existencia presenciando los momentos más significativos de su vida” (p.212). A partir de ello surge la importancia de enseñarla en la escuela, pues posee una multiplicidad de beneficios para los estudiantes, como proporcionar mejorías en diversas áreas del desarrollo y optimizar el rendimiento académico (Casas, 2001).

Es por ello que la enseñanza de la música ha sido incluida en el curriculum nacional, el que está compuesto por diversos contenidos que deben ser enseñados a los estudiantes. Así, surgen algunas metodologías que surgieron a finales del siglo XIX luego del nacimiento de las Escuelas Nuevas. Estos “métodos activos” tomaban como base al niño para desarrollar su individualidad y creatividad. Entre sus creadores se encuentran: Dalcroze, Orff, Kodaly, entre otros (Bernal et al., 2000).

Así, si se revisan los Planes y Programas (MINEDU, 2003) desde Primero a Sexto básico se podrán encontrar numerosos elementos propios de cada método de enseñanza, sin embargo, no existe un conocimiento por parte de los profesores sobre los elementos que componen estos procesos incluidos en el curriculum nacional y que son utilizados diariamente en la sala de clases.

Por su parte, la enseñanza del folklore regional como recurso de expresión es un eje transversal en los cursos mencionados en donde los estudiantes deben participar en danzas y juegos, así como también respecto a la música popular y docta. A partir de ello, se vislumbran elementos del método Kodály pues su trabajo se basó principalmente en la inclusión de la música folklórica húngara en el sistema educativo en el que trabajaba, considerándola como la lengua materna del niño (Pascual, 2002).

Del mismo modo, el canto como expresión musical es otro eje transversal, considerando que en Sexto básico se introduce el canto a una y dos voces, a capella y con acompañamiento instrumental (MINEDUC, s.f), pues el canto es el elemento principal del método Kodály, ya que la voz humana es el instrumento más perfecto, bello y accesible para todos. Así, la práctica del canto surge como la base de toda la enseñanza musical (Pascual, 2002).

Finalmente, otro de los elementos del método descrito que se puede encontrar en los contenidos incluidos en los Planes y Programas (MINEDUC, s.f) correspondientes al Subsector de Artes musicales es la pentafonía referida al dominio melódico y rítmico en compases binarios y ternarios situados en Sexto básico.

Prosiguiendo con la misma lógica, la presencia del método Orff también se hace presente en el curriculum nacional considerando que él propone un sistema educativo musical en donde prima la palabra, la música y el movimiento que se practican a través de los siguientes elementos musicales: ritmo, melodía, armonía y timbre. Esta metodología se lleva a cabo utilizando el propio cuerpo e instrumentos creados (Pascual, 2002). Así, es posible mencionar que la expresión creativa a través del cuerpo y de instrumentos de percusión es otro eje transversal a los cursos analizados, incluyendo en Tercero y Cuarto básico instrumentos de viento y en Quinto y Sexto instrumentos de cuerda.

Por otro lado, una de las innovaciones de este método es considerar el cuerpo como un instrumento musical, considerando los cuatro planos sonoros: pitos o chasquidos de dedos, palmas, palmas en rodilla y pisadas las que presentan diversas posibilidades didácticas. Del mismo modo, se trabajan las formas musicales elementales como el eco, ostinato, canon, lied, preguntas y respuestas (Pascual, 2002).

Lo anterior es posible evidenciarlo en la enseñanza de juegos rítmicos como ecos, preguntas y respuestas en Primero y Segundo básico enfocándola en la ejercitación independiente o como acompañamiento coral (MINEDUC, 2003). Del mismo modo, en Tercero y Cuarto básico se trabaja el lenguaje musical dirigido a la enseñanza de la representación escrita del ritmo y la melodía (MINEDUC, 2003).

Por otro lado, en la educación musical chilena actual se encuentra presente la educación del oído que es posible a partir del aprendizaje de las propiedades del sonido, como el timbre, intensidad, altura y duración, y su organización que incluye el ritmo, melodía, armonía, forma, timbre e intensidad. De esta forma se pretende que el estudiante discrimine y reconozca auditivamente los elementos del sonido, desde Primero a Sexto básico de forma progresiva y aumentando su complejidad (MINEDUC, 2003).

Este contenido se originó mediante la metodología Dalcroze, en la que se considera la función auditiva como primordial en los niños y  persigue crear la audición interior, estimular la lectura a primera vista y trabajar la notación y teoría musical. Una adecuada educación auditiva supone ejercitar al niño en relación a distinguir diferentes valores de las notas (Pascual, 2002).

En conclusión, es posible mencionar que los “métodos activos” de enseñanza de la música se encuentran presentes de manera implícita en el desarrollo del curriculum nacional escolar fomentando la importancia de la enseñanza de la música en la etapa escolar, comenzando por la utilización del propio cuerpo como instrumento de percusión, prosiguiendo con la inclusión de instrumentos musicales y el fomento del lenguaje musical respondiendo al desarrollo cognitivo y motriz de cada estudiante.

Es por ello que los profesores, tal como menciona Garretson (s.f), deben comprender los objetivos de la educación además de su utilidad y propósitos que se deben cumplir al momento de incluir la música en el plan de estudios nacional, así como el origen y fundamentos pedagógicos de los métodos que son empleados en las aulas al momento de enseñar música, comprendiendo no solo el cómo la enseñan, sino también el por qué de su enseñanza.

Referencias bibliográficas

Bernal, V. J, Calvo, N. L. (2000). Didáctica de la Expresión Musical. En: Fundamentos didácticos en las áreas curriculares. (pp.209-248). Ed: Síntesis.

Casas, M. V. (2001). ¿Por qué los niños deben aprender música?. (pp. 1-15). Ed: Colombia Médica.

Garretson, R. (s.f). La música en la educación infantil. (pp.1-7).

MINEDUC. (2003). Programa de Estudio Educación Artística Primer año básico. Santiago, Chile.

MINEDUC. (2003). Programa de Estudio Educación Artística Segundo año básico. Santiago, Chile.

MINEDUC. (2003). Programa de Estudio Educación Artística Tercer año básico. Santiago, Chile.

MINEDUC. (2003). Programa de Estudio Educación Artística Cuarto año básico. Santiago, Chile.

MINEDUC. (s.f). Programa de Estudio Educación Artística Quinto año básico. Santiago, Chile.

MINEDUC. (s.f). Programa de Estudio Educación Artística Sexto año básico. Santiago, Chile.

Pascual, P. (2002). El método Dalcroze. En: Didáctica de la Música. (pp.100-119). Ed: Pearson.

Pascual, P. (2002). El método Kodály. En: Didáctica de la Música. (pp.122-149). Ed: Pearson.

Pascual, P. (2002). El método Orff. En: Didáctica de la Música. (pp.204-228). Ed: Pearson.

"El método Dalcroze"

Autor: Pilar Pascual

Año: 2002

Editorial: Pearson

Capítulo 5: El método Dalcroze

El creador de la metodología Dalcroze- Emile Jacques Dalcroze- nació en el seno de una familia muy aficionada a la música y su método se desarrolló a partir de la primera guerra mundial. Los elementos principales de este método son: el ritmo, el movimiento y la danza, denominados rítmica o gimnasia rítmica, los cuales está dirigida mediante el movimiento a favorecer el desarrollo motriz, cognitivo y la expresión del individuo.

 La fundamentación pedagógica de esta metodología considera que la educación musical debe ser obligatoria en la escuela y no de exclusividad de unos pocos. Así, la rítmica acostumbra al niño a conocerse a sí mismo como instrumento de percusión rítmica, desarrollando su autodominio. Del mismo modo la rítmica trabaja simultáneamente: la atención, la inteligencia y la sensibilidad, considerando al cuerpo como un instrumento de interpretación rítmica, mental y emocional. Su finalidad es desarrollar el <<sexto sentido>> o sentido muscular.

La metodología Dalcroze desarrolla la función auditiva, la cual persigue crear la audición interior, estimular la lectura a primera vista y trabajar la notación y teoría musical. Una adecuada educación auditiva supone ejercitar al niño en relación a distinguir diferentes valores de las notas. Para ello, comienza con la marcha y luego con la locomoción a partir de diferentes ritmos relacionándolos con las habilidades motrices básicas. 

Por otro lado, la metodología de Dalcroze utiliza como instrumento principal el piano, pues es un instrumento melódico que subraya las propiedades elásticas del cuerpo en movimiento, y es un instrumento polifónico. Se utiliza por sobre todo para acompañar una melodía dada, a numerar bajos, a desarrollar lo facilidad de invención, composición y sonido de la proporción, cuadratura, etc. Además del piano utiliza la flauta dulce, instrumentos de percusión, materiales de psicomotricidad y grabaciones musicales.

Finalmente, la importancia del método de Dalcroze en la escuela, es que constituye una innovación educativa, considerando la enseñanza de la rítmica como elemento principal.

Comentario personal

Cris Rebolledo: me pareció interesante lo que plantea Dalcroze con respecto a la importancia del movimiento del propio cuerpo. Este elemento es una herramienta importantísima que los profesores debiésemos utilizar en su totalidad en las clases de música, ya que es accesible para todos. Por lo tanto al considerar el propio cuerpo haremos que nuestros estudiantes desde pequeños aprendan y desarrollen sus capacidades corporales entre otras.

María Cecilia Santander: Considero que es de vital importancia que como profesores consideremos el cuerpo y su movimiento como una útil herramienta para llevar a cabo nuestras clases de música, pues es un elemento propio de cada individuo y su trabajo permite desarrollar otras áreas no tan solo motrices sino que también cognitivas y afectivas.

 

"El método Kodály"

Autor: Pilar Pascual

Año: 2002

Editorial: Pearson

Capítulo 6: El Método Kodály

El creador del método Kodály –Zoltán Kodály- introdujo este modelo en el sistema educativo húngaro integrando la música en la enseñanza. Para él la participación es el mejor camino para conocer verdaderamente la música. Su trabajo se basó principalmente en la inclusión de la música folklórica húngara en el sistema educativo en el que trabajaba, considerándola como la lengua materna del niño.

Por otro lado, el elemento principal de este método es el canto, pues la voz humana es el instrumento más perfecto, bello y accesible para todos. Es por ello que la práctica del canto es la base de toda la enseñanza musical. Del mismo modo, el trabajo de Kodály se centra en el canto coral a través del folklore húngaro, se basa en el sistema pentatónico y el canto se realiza “a capella” y a través del solfeo relativo.

La fundamentación pedagógica de este método promueve el ejercicio musical activo y la participación, contribuyendo al desarrollo de las facultades del niño y a la implantación de la formación musical desde la primera infancia. Este método se centra en la adquisición del lenguaje musical y la entonación a primera vista, considerando que las canciones populares son el mejor medio para amar la música.

El instrumento que utiliza este método es el xilófono, pues acompaña el canto de los niños, presenta una brillante sonoridad, es de bajo costo y tiene la posibilidad de levantar las placas. 

Otro de los elementos desarrollado por Kodály es el solfeo silábico al que llamó “Do movile”, en donde el profesor sitúa en diferentes posiciones el Do sobre el pentagrama para indicar la primera nota. Por otro lado, se encuentra el solfeo absoluto que sitúa las notas siempre en el mismo lugar independientemente de los cambios de tonalidad, mientras que el solfeo relativo cambia las notas de lugar dependiendo de la tonalidad. Este último es uno de los grandes pilares del método, suponiendo que se aprende una melodía sin clave ni tonalidad previa combinando su aprendizaje con la fononimia.

La fononimia es un sistema de canto en el que se puede leer mediante signos manuales y no con una forma escrita. Su principal objetivo es educar al niño inconscientemente en una afinación interna auditiva correcta.

Otro de los aspectos relevantes de esta metodología es el uso de material musical pentatónico que solo tiene en cuenta cinco notas de la escala en la que se basa la mayor parte del folklore húngaro facilitando el aprendizaje. De todas las variedades de escalas pentatónicas, Kodály emplea la escala pentatónica anhemiótica.

Por otro lado, el lenguaje musical es importante en la aplicación de este método pues supone el término del analfabetismo musical. Entre sus elementos se encuentran la forma que persigue educar al niño para expresar sus ideas musicales; la armonía que está presente en las interpretaciones de canciones; el transporte que permite al niño reconocer la tonalidad de distintas escalas y la lectoescritura que intenta educar al oído interno a través de la memorización de canciones.

Los materiales que utiliza este método además de la propia voz son:

·         pizarra y pentagrama magnético

·         instrumentos musicales de percusión y melódicos

·         cartones

Finalmente, esta metodología es difundida internacionalmente pues es aplicable en distintos espacios educativos. Para llevarlo a cabo, exige por parte de los profesores una preparación amplia tanto didáctica como musical.

Comentario personal.

Cris Rebolledo: El elemento que mayormente destaca - a mi juicio- en esta metodología es la fononimia, la cual sería posible utilizarla en nuestras aulas, aunque quizás con ciertas modificaciones relacionada con el contenido que queramos enseñar. Por otro lado la importancia del folklore que muestra el método debiésemos arraigarlas en nuestras aulas y utilizarla de manera que se convierta en un elemento fundamental y trasversal en las clases. Esto aportaría en el aumento de los intereses de los niños por el folklore chileno y haríamos uso de nuestra cultura y tradiciones a lo largo de nuestra enseñanza, no tan solo en septiembre.

María Cecilia Santander: Luego de la lectura de este documento, me parece muy interesante el elemento básico de este método que es la propia voz. Considero que como futuros profesores debemos saber utilizar la voz como una herramienta útil para poder realizar nuestras clases teniendo en cuenta que no siempre contaremos con los medios necesarios para poder llevarlas a cabo. Por otro lado, me pareció muy interesante la inclusión de la música folclórica en la enseñanza. Considero que este aspecto ha sido un olvidado en las aulas de hoy en día, y por el contrario, debiera ser un elemento que como profesores debiéramos saber utilizar.

* http://www.youtube.com/watch?v=sGaUB9pgCLM 

"Los instrumentos"

Autor: Pilar Pascual

Año: 2002

Editorial: Pearson

Capitulo 11: Los instrumentos

Desde los comienzos del Sistema Educacional, nos vemos enfrentados a los llamados instrumentos musicales, pero en realidad a ¿qué nos referimos cuando hablamos de ellos?

De acuerdo a Don Randel cualquier medio que produce un sonido puede ser considerado un instrumento musical. A partir de ello, se pueden distinguir tres categorías en relación a su clasificación, basada en su estructura, el material del que están construidos y el método por el que producen el sonido. Estas categorías son: cordófonos, aerófonos y de percusión. Del mismo modo, la música folklórica posee sus propios instrumentos, los cuales se clasifican de acuerdo al lugar de origen. 

Por otro lado, la adquisición y desarrollo de las habilidades instrumentales individuales y grupales conocida como práctica instrumental presenta las siguientes ventajas: 

• Desarrollo de capacidades psicomotoras y corporales como los hábitos posturales correctos.
• Desarrollo de la percepción auditiva y la discriminación de instrumentos musicales.
• Contribuye a la práctica de la lectura musical, motiva el interés por el conocimiento de instrumentos de orquesta y favorece la cooperación grupal y la integración del niño a un grupo.

En relación a la inclusión de instrumentos en la Educación Primaria, la mayoría de ellos son de procedencia Orff, entre los cuales también se pueden incluir los cotidiáfonos, que son instrumentos sonoros construidos con materiales de uso cotidiano. Del mismo modo podemos distinguir en la Educación Primaria los siguientes tipos de instrumentos:

• De percusión corporal, en donde se utiliza la voz para emitir sonidos, chasquidos de dedos o pitos, palmas, palmas sobre las rodillas y pisadas.
• De percusión, entre los que se encuentran los de pequeña percusión (afinados y no afinados) y los de láminas, que pueden ser de madera o metal.
• De tradición popular, entre estos están los cordófonos (como la guitarra), los aerófonos (como la flauta dulce), los membranófonos (como los tambores) y los idiófonos (como las castañuelas).
• De construcción propia, como claves, maracas, rascadores, arpas, flautas, etc.
• De orquesta, como los de la orquesta sinfónica.

En cuanto a los criterios de selección de instrumentos para incluirlos en la Educación Primaria se destacan cuatro tipos:

• Pedagógicos: Basados en la progresión del aprendizaje en forma cíclica, como el trabajo sistemático de instrumentos individuales (ej. Flauta dulce).
• Musicales: Condicionados por la técnica instrumental del profesor.
• Psicológicos: En donde los instrumentos elegidos deben  responder a las necesidades y capacidades de los niños de acuerdo a su edad.
• Tipo de pieza: Considerando su facilidad rítmica, el número de instrumentos que intervienen, el soporte armónico, etc.

Finalmente la metodología utilizada para trabajar con los instrumentos musicales, es la de Orff y los distintos procedimientos que se utilizan para enseñar de los elementos de una pieza musical que son la melodía y el ritmo, armonía y timbre, forma y aspectos expresivos, se realizan a través de cuatro etapas: 

• Ejecución de oído o por imitación, en donde los niños memorizan pequeñas formulas basadas en ostinatos.
• Ejecución por la lectura musical, donde se trabajan grafías convencionales y no convencionales.
• Ejecución basada en una canción, en donde los instrumentos contribuyen en la afinación, a la comprensión de estructuras rítmicas, melódicas y armónicas.
• Ejecución por la improvisación, en donde se destaca la improvisación rítmica, melódica, auditiva e instrumental.

Comentario personal

Cris Rebolledo: Como futura profesora, considero de real importancia que los profesores conozcamos y tengamos consciencia de la metodología Orff, ya que es la más frecuente en la enseñanza de la música (como se observa en este documento), la cual nos aporta múltiples elementos valiosos a utilizar en la sala de clases. Por otro lado es imprescindible que consideremos el desarrollo de nuestros estudiantes en todos sus ámbitos, porque en base a eso tomaremos mejores decisiones pedagógicas, en relación a la clase de música.

María Cecilia Santander: Considero que como futura profesora es muy importante conocer el desarrollo motriz y cognitivo de cada niño para poder elegir de manera correcta qué instrumentos trabajar con cada uno de ellos, de manera que responda a las necesidades motoras y cognitivas de los mismos. Del mismo modo, creo que es de vital importancia que los profesores estén constantemente actualizando su conocimiento en relación a los diferentes métodos que existen para poder enseñar música y no sólo basarse en métodos tradicionales.

"El método Orff"

Autor: Pilar Pascual

Año:2002

Editorial: Pearson

Capítulo 9: El método Orff

                El creador del método Orff –Carl Orff- fue director de orquesta y un gran compositor alemán del siglo XX. Él propone un sistema educativo musical en donde prima la palabra, la música y el movimiento que se practican a través de los siguientes elementos musicales: ritmo, melodía, armonía y timbre. Esta metodología se lleva a cabo utilizando el propio cuerpo e instrumentos creados.

                La intención de este método es que el niño desarrolle el sentido rítmico improvisando ritmo, sonido y movimiento. Una de las innovaciones de este método es considerar al cuerpo como un instrumento musical, considerando los cuatro planos sonoros: pitos o chasquidos de dedos, palmas, palmas en rodilla y pisadas las que presentan diversas posibilidades didácticas. Del mismo modo, se trabajan las formas musicales elementales como el eco, ostinato, canon, lied, preguntas y respuestas. 

                Por su parte, el eco es la repetición del fragmento inmediatamente anterior; los ostinatos son fragmentos que se repiten obstinadamente y sirven como acompañamiento. Así, los ostinatos melódicos son el primer paso para iniciar al estudiante en la armonía. Finalmente, el canon en una composición polifónica por imitación.

                Por otro lado, la improvisación musical es una de las prácticas  más empleadas en esta metodología que presenta la siguiente secuencia: 

• improvisación rítmica en donde el niño improvisa con su propio cuerpo comenzando con ecos con palmadas.
• improvisación melódica en donde los sonidos utilizados corresponden a la escala pentatónica de do.
• improvisación armónica en donde se utilizan los instrumentos de percusión afinada.

                En relación a los materiales que este método educativo musical utiliza son instrumentos propios creados por Orff y Keetman para la enseñanza de la música y son considerados como una prolongación del habla, del canto y del movimiento del niño. Entre sus ventajas destacan que son fáciles de tocar, poseen agradables colores y timbres, son versátiles para expresar ideas musicales, estimulan la improvisación y la danza. Todos ellos están construidos de manera que las cualidades tonales son similares a las características psicológicas de los niños.

                Entre ellos podemos encontrar:

• instrumentos de pequeña percusión (no afinada): Metal, madera y mebrana 
• instrumentos de láminas o placas (afinado) 
• Instrumentos de viento 
• Instrumentos de cuerda

En relación a la aplicación escolar de este método, en primer lugar aporta a la pedagogía musical uno de sus mejores recursos, unos instrumentos que son fáciles de tocar, afinados y que, en conjunto, producen una calidad tonal equilibrada. Por otro lado, promueve la participación activa del alumno, interesando más hacer música que sabes música. Finalmente, la interpretación de instrumentos Orff despierta entusiasmo entre los niños.

Para terminar, es preciso mencionar que este método se vale de la palabra, del ritmo y la melodía para mantener vigente rimas, canciones y refranes populares que son transmitidos por tradición oral y que son propios de la cultura.

Comentario personal

María Cecilia Santander: Me parece muy importante introducir este tipo de metodologías en la enseñanza de la música, pues permite que los niños conozcan otros tipos de instrumentos musicales, comenzando con la utilización de su propio cuerpo. Del mismo modo, este método fomenta la participación activa de los niños, motivándolos y acercándolos al gusto por la música.

Cris Rebolledo: La metodología Orff es constantemente utilizada en la enseñanza actual de la música en Chile, sin embrago los profesores no son conscientes de este método ni quien lo realizó. Es relevante conocer esta metodología en profundidad para poder llevarlo al aula y utilizarlos con nuestros estudiantes, ya que se basa y se enfoca en el niño y su desarrollo frente a la música.

"El niño, sujeto de la educación musical"

Autor: Pilar Pascual.

Año: 2002

Editorial: Pearson Educación.

Capítulo 2: El niño, sujeto de la educación musical. Desarrollo evolutivo en relación con la educación musical.

  

    Este capítulo se enfoca en la psicología de la música, que  estudia “los procesos mentales que se ponen en juego al escuchar o interpretar música (Barceló, 1988, p. 24, en  Pascual, 2000), y la psicología del desarrollo musical. De esta forma, surge el interés por la importancia del sentido rítmico que incluye el movimiento, la palabra y el ritmo. De este último se desprenden tres componentes significativos:

• Impulso rítmico.
• Capacidad cognoscitiva
• Capacidad motora

Del mismo modo, la psicología se preocupa por medir  y evaluar las aptitudes musicales, utilizando la observación como instrumento de medición. Otra de las preocupaciones de la psicología de la música se relaciona con el nacimiento de las capacidades musicales, planteándose la siguiente interrogante: “el músico ¿nace o se hace?”. Es a partir de ello que la educación adquiere un papel primordial, pues un niño con talento inmerso en un ambiente poco estimulante no desarrollará sus capacidades musicales, por lo que la propia valoración de las mismas influirá en el desarrollo de ellas. Finalmente, se da a conocer otra preocupación de la psicología de la música que se relaciona con la inteligencia y el cerebro, en donde a la dominancia cerebral izquierda le corresponden las funciones lingüísticas y a la derecha la creatividad y emoción musical.

Finalmente, se describe la evolución de las capacidades musicales de los niños en las etapas escolares. Así, se pueden identificar 5 etapas:

   

    0 a 3 años: el movimiento de la música provoca en el niño respuestas corporales; se desarrolla la audición en el vientre materno; el bebé reacciona orgánicamente frente a la música y a cualquier otra estimulación; la expresión lingüística se manifiesta en forma de canturreo; a los dos años el niño canta y percute. El factor más significativo que influye en el desarrollo musical del niño en esta etapa es la atmósfera musical circundante.

·  

  3 a 6 años: el niño posee inteligencia prelógica; pensamiento transductivo; comprende melodías, ritmos y canciones; no diferencias partes, tiempos o frases; posee egocentrismo y animismo; la percepción del tiempo carece de significado; posee autonomía motora; su pensamiento va adquiriendo movilidad; entre los 5 y 6 años casi han consolidado su esquema corporal; prefieren jugar solos; los aprendizajes se realizan a través de la acción: imitan las 

                                  acciones del adulto; pasan de lo exploratorio a lo repetitivo.

·   6 a 8 años: inicio de la vida escolar; aumenta pertenencia al grupo; disminuye dependencia del adulto; posee cierto egocentrismo; se encuentra en el período de las operaciones concretas; su expresión vocal es más rica; acelera tiempos rítmicos; interpreta y reconoce duración de las figuras y silencios; manifiesta imaginación musical; posee tendencia a la dramatización; 

     es la edad para iniciar el Preparatorio de los 

     Estudios Musicales.

·      8 a 10 años: posee alta motivación por el mundo escolar; mayor comprensión del espacio-tiempo; mayor desarrollo motriz; consolida su identidad; gusto por instrumentos de percusión; edad de oro de la voz; le interesan riesgos y aventuras; gustan por tocar en grupo o a dúo; poseen un pensamiento más lógico, realista y reversible; se completa el desarrollo neurológico desde el punto de vista sicomotor; mejora coordinación óculo-manual y pies y manos.

·    

   10 a 12 años: el juego pierde interés en la vida del niño; cambio de voz; síntomas de pubertad; pérdida del egocentrismo; prefieren prácticas instrumentales grupales; poseen pensamiento más analítico; distinguen valores de la partitura; desarrollo de memoria melódica y armónica, buscan variedad de estilos.

Comentario personal

     Como futuras profesoras consideramos que es primordial conocer el desarrollo de los niños en cada etapa evolutiva para poder responder de manera efectiva a las necesidades propias de su edad. De esta forma queda en evidencia la importancia de conocer los avances que los niños presentarán a lo largo de su vida escolar, de manera que podamos provocar un desarrollo más potente en cada uno de ellos, intencionando ciertos aprendizajes en donde el conocimiento entregado sea adquirido de acuerdo a sus estructuras mentales.